Questo mese, la National Gallery of Art di Washington, DC, monterà ” Vermeer e i maestri della pittura di genere: ispirazione e rivalità.”Lo spettacolo, che va dal 22 ottobre al 21 gennaio, approfondisce il lavoro di Vermeer e dei suoi contemporanei dal 1650 al 1675, quando erano al culmine dei loro poteri., Traccia anche la lunga ombra proiettata dal pittore olandese, la cui produzione era notoriamente sottile—solo 35 opere sopravvissute sono ampiamente attribuite all’artista, anche se una tela potenziale 36 è ancora in mani private—e di chi si sa così poco che a volte viene chiamato la “Sfinge di Delft.”
Mentre Vermeer godeva di un discreto flusso di cassa dalla vendita della sua arte durante la sua vita, lavorava lentamente, e la maggior parte dei suoi mecenati erano familiari, amici e altri locali. Dopo un crollo finanziario nel 1672, fu costretto a mettere all’asta la maggior parte dei suoi beni terreni per ripagare i debiti crescenti., Fu quasi dimenticato dal mondo dell’arte negli anni successivi alla sua morte nel 1675. La sua opera più famosa, Girl With a Pearl Earring, fu venduta all’asta per soli due fiorini nel 1881.
Oggi, ovviamente, Vermeer è la definizione stessa di Vecchio Maestro realizzazione. Ma qual è il suo lavoro migliore? Abbiamo esaminato le 10 opere più popolari e ricercate dell’artista (che abbiamo ristretto in base alla loro classifica su Google Immagini). Qui di seguito, abbiamo offerto il nostro introito soggettivo su ciò che li rende grandi-e perché Ragazza con un orecchino di perla non è, infatti, il miglior Vermeer di tutti i tempi.,
Johannes Vermeer, Il Lacemaker (1669). Immagine: Wikimedia Commons.
10. The Lacemaker (1669-70)
Raffigurante una donna in profonda concentrazione, piegata sul suo lavoro artigianale con bobine e spilli in mano, The Lacemaker è una stranezza nell’opera di Vermeer. E ‘ il suo lavoro più piccolo, misura un diminutivo nove per otto pollici, e solo uno dei due dipinti che abbia mai fatto su pannello di legno (l’altro è Ragazza con un cappello rosso).
È, ovviamente, adorabile., Ma ciò che lo mette in fondo alla nostra classifica è l’illuminazione molto strana, insolita per un artista noto per il comando della luminescenza.
“n La luce del Lacemaker si organizza in modi contrastanti, sia a livello della sua resa in pittura che a livello di percezione”, sottolinea la storica dell’arte Kathryn A. Tuma in un saggio sul dipinto., “Mentre nel regno visivo del quotidiano questo non sarebbe necessariamente un problema poiché la nostra visione ha pochi problemi ad accogliere molteplici fonti di luce, in un’immagine dipinta tali ambiguità giocano con la nostra capacità di riconoscere un’imitazione persuasiva di uno spazio illusionistico.”
Johannes Vermeer, The Procuress (1656). Immagine: Wikimedia Commons.
9. The Procuress (1656)
Raffigurante una scena del cosiddetto “amore mercenario”, altrimenti noto come lavoro sessuale, questo potrebbe essere il dipinto più osceno di Vermeer., In effetti, una scena di sollecitazione era così al di fuori della norma per Vermeer che molti dubitavano che l’avesse effettivamente dipinta, anche se gli studiosi sospettano che il musicista all’estrema sinistra sia un possibile autoritratto.
Porta anche la firma di Vermeer. Ciò che manca, però, è la sua finezza di illuminazione firma: Tre delle quattro figure sono in gran parte gettati in un buio buio, mentre la cortigiana è immerso in una dura, luce brillante grossolanamente illuminando le sue guance eccessivamente rouged.
Certo, si può affermare che questo insolito effetto luminoso ha uno scopo, come fa lo storico Edward Snow., Parlando dell’uomo mezzo illuminato che si procura la prostituta, Snow scrive nel suo libro A Study of Vermeer: “e opera come una figura di transizione: mediare tra la figura avvolta e la donna, colmare le regioni di oscurità e luce, attraversare il mondo dei suoi compagni, il suo volto ancora mezzo ombreggiato, per godere della sua presenza luminosa, non un invasore ma una barriera protettiva all’oscuro interesse per lei.”
Tuttavia, questo è uno dei meno Vermeer-ish dei principali Vermeer là fuori.
Johannes Vermeer, Ragazza con un orecchino di perla (ca. 1665). Immagine: Wikimedia Commons.,
8. Ragazza con un orecchino di perla (1665)
Ragazza con un orecchino di perla è uno dei dipinti più iconici di Vermeer—e uno dei dipinti più famosi in tutto il mondo.
Guarda, è un dipinto sorprendente. Non e ‘ il meglio di Vermeer, sai?
Infatti, parte del fascino della Ragazza, quando si astrae da tutta la leggenda che lo circonda, è quanto sia minore e libero dal simbolismo narrativo, in risonanza con un’estetica istantanea contemporanea., Mentre una bella storia d “amore è stato costruito intorno alla misteriosa giovane donna al suo centro, Ragazza con un orecchino di perla faceva parte di un genere ormai dimenticato chiamato”tronie” -cioè, un ” immagine non inteso come un ritratto, ma semplicemente per illustrare un tipo di magazzino.
Il look casual e over-the-shoulder del modello che conferisce al lavoro tanta personalità è in realtà una posa standard utilizzata dai pittori olandesi per trasmettere profondità tridimensionale. Il cappello fantasioso, che dà un tale senso di romanticismo, è deliberato dress-up; l’orecchino di perla è, essenzialmente, bigiotteria.,
Quello sfondo nero audace, che suona bene con un’estetica fotografica in studio attuale, era in realtà un tropo che Vermeer evitava abitualmente. Perché? Perché il Vermeer ossessionato dalla luce era ben noto per le figure che si stagliano contro le pareti bianche, che gli hanno permesso il gioco sfumato di ombre per cui è così venerato. (Secondo il curatore della National Gallery Arthur K. Wheelock Jr., tra i più importanti studiosi di Vermeer, Girl with a Pearl Earring è una delle due sole opere realizzate dall’artista con uno sfondo relativamente scuro; l’altra è il ritratto di una giovane donna, realizzato nello stesso periodo.,)
Johannes Vermeer, Donna in blu che legge una lettera (1663-1664). Immagine: Wikimedia Commons.
7. Woman in Blue Reading a Letter (1662-65)
Woman in Blue Reading a Letter è pieno di pathos grazie alla sua illuminazione lunatica. Calata in un’oscura oscurità simile alla seta blu del suo soprabito, una donna sta leggendo una lettera, le labbra leggermente divise, come se fosse stata sorpresa da ciò che ha letto. Molti credono che la mappa appesa al muro dietro di lei suggerisca un amante lontano per il quale si lamenta (o si addolora)., È un modo meravigliosamente suggestivo per aprire questo fermo immagine a una narrazione più ampia.
Da non perdere anche come l’illuminazione dell’immagine racconti una storia, come sottolinea Wheelock: “La luce proviene da due fonti, creando ombre secondarie sia primarie che morbidamente diffuse sulla parete accanto alla sedia dietro il tavolo. Con la sua consapevolezza delle qualità ottiche della luce, Vermeer manip manipola il flusso della luce in modo abbastanza arbitrario per ragioni compositive. Ad esempio, mentre la sedia e la mappa proiettano ombre, la donna, che sembra stare abbastanza vicina al muro, non lo fa., Vermeer la separa così dalla struttura temporale della stanza, e nel processo, esalta il senso di permanenza che così pervade la scena.”
La forza dell’opera è la sua cruda gravitas emotiva. Ma manca il simbolismo bravura di alcuni degli altri interni di Vermeer, il che spiega perché non è più alto nella nostra lista.
Johannes Vermeer, La Stradina (ca. 1657–1661). Immagine: Wikimedia Commons.
6., The Little Street (1657-61)
Questa rappresentazione degli avvenimenti in un vicolo di Delft è decisamente prosaica a prima vista, e probabilmente non ha il calcio del dramma umano che la Procuress o la donna in blu che legge una lettera hanno da offrire. In realtà, il suo soggetto è quanto di più poco romantico come si può ottenere: faccende.
Devi guardare da vicino per cogliere ciò che è stato a lungo lodato sul dipinto: il suo dettaglio intensamente reso., In effetti, la nitida intimità dei dettagli architettonici si sente così vividamente resa che il dibattito è infuriato sul fatto che il vicolo in questione sia un luogo reale o un composito.
Nella nostra mente, probabilmente non è un caso che due delle figure siano perfettamente incorniciate da porte, come da vere e proprie cornici, dando un senso di elevazione artistica a questo soggetto quotidiano., E come Anthony Bailey ha sostenuto nel suo libro su Vermeer, l’immagine delle donne che fanno il lavoro quotidiano e di routine per mantenere il loro mondo si combina con il dettaglio architettonico per aggiungere un messaggio più ampio: “Il tempo, fermato per questo istante e quindi in un certo senso per l’eternità, sembra essere il suo soggetto essenziale. La sua usura è visibile nei mattoni e nella malta, il tessuto di fatto che sostiene senza mezzi termini la nostra tenue e temporanea presa sull’esistenza con le sue molte domande senza risposta, come ” Cosa stiamo facendo qui?,'”
Per essere onesti, quel significato che richiede un po ‘ di tempo per afferrare, quindi questo dipinto manca la nostra top five. Il che mi porta a Johann
Johannes Vermeer, La lattaia (ca. 1660). Immagine: Wikimedia Commons.
5. The Milkmaid (1654-58)
The Milkmaid cade nel bel mezzo della nostra classifica, il che è appropriato perché è spesso considerato un punto di svolta tra gli stili precoci e maturi di Vermeer.,
La scena appare quasi fotografica, e molti studiosi ipotizzano che fu in questo periodo che Vermeer iniziò a incorporare la tecnologia di cattura delle immagini nella sua pratica per comprendere meglio gli effetti della luce, come notato da H. Perry Chapman nel suo saggio “Women in Vermeer’s Home: Mimesis and Ideation.” La manipolazione della vernice nella Lattaia, in particolare la luce scintillante sul pane croccante, ei suoi colori saturi sono stati presi come prova dello studio quasi scientifico della visione di Vermeer e degli effetti della camera oscura”, scrive.,
Gli effetti sono grandiosi: in una cucina dolcemente illuminata, una cameriera versa il latte in una bacinella; il bancone è disseminato di pane, le cui croste (insieme alla sua fronte scintillante) sono teneramente evidenziate dalla luce del sole. Vermeer non si affida più a un chiaroscuro aspro per creare questa luminescenza sfumata. Invece, questa orchestrazione virtuosa di luce e colore si ottiene attraverso l’uso di colori primari alternati e zone di luce e ombra.
Johannes Vermeer, Donna in possesso di un equilibrio (ca. 1664). Immagine: Wikimedia Commons.
4., Woman Holding a Balance (1662-65)
Creato bene nel periodo maturo di Vermeer, la composizione e l’illuminazione di questo dipinto sono superbamente, bene, equilibrati. Una donna vestita con una giacca blu con finiture in pelliccia si trova a un tavolo in un angolo di una stanza buia. Un morbido raggio di sole da una finestra a sinistra taglia in due diagonalmente il dipinto, evidenziando le sue mani, che tengono una scala in equilibrio mentre pesa i suoi gioielli sparsi sul tavolo.,
L’equilibrio tra luce e buio in questo dipinto è più che solo visivamente piacevole, però—significa qualcosa, che è ciò che veramente lo mette nel nostro livello superiore. Vermeer usa il contrasto qui per raccontare una storia di vanità e virtù, piaceri mondani e moralità divina, motivo per cui la donna in possesso di un orologio di equilibrio al numero quattro.,
Nel suo libro, A Study of Vermeer, Edward Snow scompone il simbolismo: “Un grande dipinto barocco del Giudizio universale pende vistosamente sulla parete posteriore della stanza, situando la donna in un quadro apocalittico di riferimento e contrapponendo il suo gesto. La luce che la illumina irrompe nel dipinto dall’alto, circondandola con ciò che a prima vista può sembrare minaccioso, invadendo le ombre Against Contro la violenta agitazione barocca del dipinto dietro di lei, la donna afferma una calma tranquilla, imperturbabile, la quintessenza della visione di Vermeer.,”Questa è una valutazione equilibrata!
Johannes Vermeer, Ragazza con un cappello rosso (ca.1665-1667). Immagine: Wikimedia Commons.
3. Ragazza con un cappello rosso (1665-66)
Questo è un altro “tronie”, come ragazza con un orecchino di perla, e uno dei più piccoli lavori di Vermeer per l’avvio. Attualmente nella collezione della National Gallery of Art, condivide molto con il suo cugino più famoso, dallo sguardo sopra le spalle al costume fantasioso. Perché è in cima alla nostra lista, allora?,
Per prima cosa, tutti i dettagli—da quella drammatica macchia di luce sul viso al modo in cui tutte le trame giocano l’una con l’altra—si uniscono davvero. Vediamo Vermeer fare quello che sa fare meglio.,rmeer: The Complete paintings: “Per un pittore che si sono distinti nell’osservazione della luce non c’era quasi più adatto veicolo di un soggetto come questo, con i suoi confronti di pelle, seta e perle, labbra umide (il loro colore avanzata dal cappello), morbida e liscia tessuti, tutte le superfici lucide set contro il più noioso toni e consistenza ruvida della tappezzeria, che oltre ai suoi colori complementari fornisce simpatico forme come le linee curve scendendo dal viso alla mano, la tenda-come la chiusura dell’angolo superiore sinistro, e il confine inquadrare il lato destro dell’immagine., Allo stesso modo, i finiali a testa di leone, oltre a mostrare il talento dell’artista per descrivere gli effetti della luce, sono posti con un occhio al loro effetto sulla figura, a cui viene data una zona di spazio e una stabilità che altrimenti non avrebbe.”
In altre parole, Girl with a Red Hat ti dà tutto ciò che ami dell’orecchino di perla—il senso di mistero indefinibile, i tessuti meravigliosamente osservati, la qualità fotografica stordita—e poi ti dà molto di più. Per i nostri soldi, questo lo rende uno dei più grandi successi di Vermeer.,
Johannes Vermeer, L’arte della pittura (1666). Immagine: Wikimedia Commons.
2. L’arte della pittura (1666)
Si chiama L’arte della pittura, ed è, infatti, al culmine di qualsiasi lista che celebra l’arte della pittura.
Il lavoro sembra essere uno dei suoi lavori più grandi (circa 40 per 47 pollici), ma è anche il suo più intellettualmente ambizioso—il dipinto in cui Vermeer dispiega pienamente l’intelligenza dietro tutte le sue altre opere., La scena raffigurata è incredibilmente meta: una donna che incarna la musa della storia, Clio, modella per un artista al suo cavalletto, che sta appena iniziando a dipingerla.,
Come Eric Jan Sluijter sostiene, Vermeer Arte della Pittura è destinata specificamente per mostrare la superiorità del suo mezzo rispetto ad altre forme d’arte:
“Vermeer sembra indicare che le altre arti pittoriche… sono inadeguate per la loro imitazione della natura di tali prodotti sarà sempre l’aspetto di un pezzo di artigianato e di pietra o di argilla, un pezzo di carta con linee, o di un tessuto tessili—considerando che la pittura può anche imitare quelle opere d’arte, mentre il contrario è impossibile da raggiungere., Solo la pittura può creare l’illusione di uno spazio pieno di luce perfettamente convincente, di tutti quei diversi tipi di materiali, sostanze e tessuti, e della figura umana nella sua forma più bella e transitoria, quella di una giovane donna.”
L’arte della pittura pone tutto sul tavolo. Richiama letteralmente il sipario sullo studio dell’artista. È uno dei più grandi equilibrismi artistici di tutti i tempi, coordinando perfettamente un senso di artificio con un senso di naturalismo.
Johannes Vermeer, Veduta di Delft (1660-1661). Immagine: Wikimedia Commons.
1., Vista di Delft (1660-63)
L’arte della pittura può riguardare la supremazia della pittura, dove tutte le parti intricate dell’arte di Vermeer si uniscono come un’unica potente allegoria. Ma View of Delft è dove, sul piano più elementare, l’artista dimostra semplicemente questa supremazia, spogliando tutta quella complessità fino ai suoi fondamenti.
L’immagine ha una qualità quasi innocente. Molto è stato fatto dell’uso innegabile dell’artista del suo aiuto ottico preferito – una camera oscura-per rendere accuratamente lo skyline della sua città natale., Ma ciò che più struggente di questo punto di vista sono le sue idiosincrasie: l’artista sembra aver spostato gli edifici sempre più leggermente, in modo più evidente nel lungo tratto della Porta di Rotterdam, per rendere la città meno angusta, più accogliente.
Su un piano puramente pittorico, in un’opera nota per i drammi intimi della luce all’interno, questo dipinto spicca. In In Search of Lost Time di Marcel Proust, il narratore descrive il dipinto come ” più sorprendente, più diverso da qualsiasi altra cosa sapesse.,”Il risultato è bar none il paesaggio urbano più memorabile dell’arte europea e, per noi, il migliore di Vermeer.
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