Este mes, la Galería Nacional de arte en Washington, DC, montará «Vermeer y los maestros de la pintura de Género: inspiración y rivalidad.»El espectáculo, que se extiende del 22 de octubre al 21 de enero, profundiza en el trabajo de Vermeer y sus contemporáneos de 1650 a 1675, cuando estaban en el apogeo de sus poderes., También rastrea la larga sombra proyectada por el pintor holandés, cuya producción era famosa por su escasa producción—solo 35 obras sobrevivientes se atribuyen ampliamente al artista, aunque un lienzo potencial número 36 aún está en manos privadas—y de quien se sabe tan poco que a veces se le llama La «Esfinge de Delft».»
mientras que Vermeer disfrutó de un flujo de efectivo decente de la venta de su arte durante su vida, trabajó lentamente, y la mayoría de sus clientes eran familiares, amigos y otros lugareños. Después de un colapso financiero en 1672, se vio obligado a subastar la mayoría de sus posesiones terrenales para pagar las deudas crecientes., Fue casi olvidado por el mundo del arte en los años posteriores a su muerte en 1675. Su obra más famosa, Girl With a Pearl Earring, se vendió por solo dos florines en una subasta en 1881.
hoy, por supuesto, Vermeer es la definición misma de la realización del viejo maestro. Pero, ¿cuál es su mejor trabajo? Examinamos las 10 obras más populares y más buscadas del artista (que redujimos en función de su clasificación en Google Images). A continuación, hemos ofrecido nuestra visión subjetiva sobre lo que los hace geniales, y por qué Girl With a Pearl Earring no es, de hecho, el mejor Vermeer de todos los tiempos.,
Johannes Vermeer, the Lacemaker (1669). Imagen: Wikimedia Commons.
10. The Lacemaker (1669-70)
representando a una mujer en profunda concentración, inclinada sobre su trabajo artesanal con bobinas y alfileres en la mano, la Lacemaker es una rareza en la obra de Vermeer. Es su obra más pequeña, que mide un diminutivo de nueve por ocho pulgadas, y solo una de las dos pinturas que hizo en panel de madera (la otra es niña con un sombrero rojo).
es, por supuesto, preciosa., Pero lo que lo pone en la parte inferior de nuestro ranking es la iluminación muy extraña, inusual para un artista conocido por el dominio de la luminiscencia.
«n La Luz Lacemaker se organiza de maneras conflictivas, tanto en el nivel de su representación en pintura como en el nivel de percepción», señala la historiadora del arte Kathryn A. Tuma en un ensayo sobre la pintura., «Mientras que en el ámbito visual de lo cotidiano esto no sería necesariamente un problema ya que nuestra visión tiene pocos problemas para acomodar múltiples fuentes de luz, en una imagen pintada tales ambigüedades juegan con nuestra capacidad de reconocer una imitación persuasiva de un espacio ilusionista.»
Johannes Vermeer, the Procuress (1656). Imagen: Wikimedia Commons.
9. The Procuress (1656)
que representa una escena del llamado «amor mercenario», también conocido como trabajo sexual, esta puede ser la pintura más obscena de Vermeer., De hecho, una escena de solicitación estaba tan fuera de la norma para Vermeer que muchos dudaron de que realmente la pintara, a pesar de que los estudiosos sospechan que el músico de la extrema izquierda es un posible autorretrato.
también lleva la firma de Vermeer. Lo que le falta, sin embargo, es su delicadeza de iluminación característica: tres de las cuatro figuras están en gran parte fundidas en una oscuridad oscura, mientras que la cortesana está bañada en una luz dura y brillante que ilumina groseramente sus mejillas excesivamente rougadas.
concedido, uno puede hacer el caso de que este efecto de iluminación poco característico tiene un propósito, al igual que el historiador Edward Snow., Hablando del hombre medio iluminado que procuraba a la prostituta, Snow escribe en su libro A Study of Vermeer: «e trabaja como una figura de Transición: mediando entre la figura envuelta y la mujer, tendiendo puentes entre las regiones de oscuridad y luz, cruzando el mundo de sus compañeros, su rostro aún medio sombreado, para disfrutar de su brillante presencia, no un invasor sino una barrera protectora para el oscuro interés en ella.»
Sin embargo, este es uno de los menos Vermeer-ish de los principales Vermeers por ahí.
Johannes Vermeer, chica con un pendiente de perla (ca. 1665). Imagen: Wikimedia Commons.,
8. Girl with a Pearl Earring (1665)
Girl with a Pearl Earring es una de las pinturas más icónicas de Vermeer, y una de las pinturas más famosas del mundo entero.
Mira, es una increíble pintura. No es lo mejor de Vermeer, ¿sabes?
de hecho, parte de los encantos de la chica, cuando se abstrae de toda la leyenda a su alrededor, es lo menor y libre de simbolismo narrativo que es, resonando con una estética instantánea contemporánea., Mientras que todo un romance se ha construido alrededor de la misteriosa mujer joven en su centro, chica con un pendiente de perlas era parte de un género ahora olvidado llamado «tronie» – es decir, una imagen no significa como un retrato, sino simplemente para ilustrar un tipo de stock.
el aspecto casual y sobre el hombro del modelo que le da tanta personalidad a la obra es en realidad una pose estándar utilizada por los pintores holandeses para transmitir profundidad tridimensional. El sombrero de fantasía, que da tal sentido de romance, es un disfraz deliberado; el pendiente de perlas es, esencialmente, bisutería.,
ese fondo negro audaz, que suena muy bien con una estética fotográfica de estudio actual, era en realidad un tropo que Vermeer solía evitar. ¿Por qué? Porque Vermeer, obsesionado con la luz, era bien conocido por siluetar figuras contra paredes blancas, lo que le permitía el juego de sombras matizado por el que es tan venerado. (Según el curador de la National Gallery Arthur K. Wheelock Jr., entre los principales estudiosos de Vermeer, Girl with a Pearl Earring es una de las dos únicas obras que el artista hizo con un fondo comparablemente oscuro; el otro es Retrato de una mujer joven, hecho alrededor del mismo tiempo.,)
Johannes Vermeer, mujer de azul leyendo una carta (1663-1664). Imagen: Wikimedia Commons.
7. Mujer en azul leyendo una carta (1662-65)
La mujer en azul leyendo una carta está llena de pathos gracias a su iluminación de mal humor. Arrojada en una sombría penumbra que se asemeja a la seda azul de su abrigo, una mujer está de pie leyendo una carta, con los labios ligeramente separados, como si se hubiera quedado sorprendida por lo que ha leído. Muchos creen que el mapa que cuelga en la pared detrás de ella sugiere un amante distante por el que ella suspira (o se aflige)., Es una manera maravillosamente sugerente de abrir esta imagen fija a una narrativa más grande.
no te pierdas, también, cómo la iluminación de la imagen también cuenta una historia, como señala Wheelock: «la luz proviene de dos fuentes, creando sombras primarias y secundarias suavemente difundidas en la pared al lado de la silla detrás de la mesa. Con las cualidades ópticas de su luz consciente, Vermeer manip manipula el flujo de luz arbitrariamente por razones de composición. Por ejemplo, mientras que la silla y el mapa proyectan sombras, la mujer, que parece estar bastante cerca de la pared, no lo hace., Vermeer la separa así del marco temporal de la habitación, y en el proceso, mejora la sensación de permanencia que impregna la escena.»
la fuerza de La obra es su cruda emocional seriedad. Pero carece del simbolismo bravura de algunos de los otros interiores de Vermeer, lo que explica por qué no es más alto en nuestra lista.
Johannes Vermeer, la pequeña calle (ca. 1657–1661). Imagen: Wikimedia Commons.
6., The Little Street (1657-61)
esta representación de lo que sucede en un callejón de Delft es decididamente prosaica a primera vista, y probablemente no tiene el toque de drama humano que la proxeneta o la Mujer Vestida De Azul que lee una carta tiene para ofrecer. De hecho, su tema es tan poco romántico como se puede conseguir: tareas.
Hay que mirar de cerca para comprender lo que durante mucho tiempo se ha elogiado de la pintura: su detalle intensamente renderizado., De hecho, la nítida intimidad de los detalles arquitectónicos se siente tan vívidamente representada que el debate ha rabiado sobre si el callejón en cuestión es un lugar real o un compuesto.
en nuestra mente, probablemente no sea una coincidencia que dos de las figuras estén perfectamente enmarcadas por puertas, como por Marcos reales, dando una sensación de elevación artística a este tema cotidiano., Y como Anthony Bailey ha argumentado en su libro sobre Vermeer, la imagen de las mujeres haciendo el trabajo diario y rutinario de mantener su mundo se combina con el detalle arquitectónico para agregar un mensaje más grande: «el tiempo, detenido por este instante y por lo tanto en un sentido para la eternidad, parece ser su tema esencial. Su desgaste es visible en los ladrillos y el mortero, el tejido de hecho que sostiene sin rodeos nuestro tenue y temporal aferramiento a la existencia con sus muchas preguntas sin respuesta, tales como » ¿Qué estamos haciendo aquí?,'»
para ser justos, ese significado que toma un poco de tiempo para captar, por lo que esta pintura se pierde nuestro top cinco. Lo que me lleva a Johann
Johannes Vermeer, La Lechera (ca. 1660). Imagen: Wikimedia Commons.
5. La Lechera (1654-58)
La Lechera cae justo en el medio de nuestra clasificación, lo cual es apropiado porque a menudo se considera un punto de inflexión entre los estilos tempranos y maduros de Vermeer.,
la escena parece casi fotográfica, y muchos estudiosos suponen que fue por esta época que Vermeer comenzó a incorporar la tecnología de captura de imágenes en su práctica con el fin de comprender mejor los efectos de la luz, como señaló H. Perry Chapman en su ensayo «Women in Vermeer’s Home: Mimesis and Ideation.»El manejo de la pintura en La Lechera, específicamente la luz brillante en el pan crujiente, y sus colores saturados se han tomado como evidencia del estudio casi científico de la visión de Vermeer y de los efectos de la cámara oscura», escribe.,
los efectos son excelentes: en una cocina suavemente iluminada, una criada vierte leche en un lavabo; el mostrador está lleno de pan, cuyas costras (junto con su brillante frente) se resaltan tiernamente por la luz del sol. Vermeer ya no depende de un claroscuro severo para crear esta luminiscencia matizada. En cambio, esta virtuosa orquestación de luz y color se logra a través del uso de colores primarios alternos y zonas de luz y sombra.
Johannes Vermeer, mujer sosteniendo una balanza (ca. 1664). Imagen: Wikimedia Commons.
4., Woman Holding a Balance (1662-65)
creado bien entrado el período maduro de Vermeer, la composición e iluminación de esta pintura está magníficamente, bien, equilibrada. Una mujer vestida con una chaqueta azul con adornos de piel se encuentra en una mesa en un rincón de una habitación oscura. Un suave rayo de sol desde una ventana a la izquierda divide en diagonal la pintura, destacando sus manos, que sostienen una escala en equilibrio mientras pesa sus joyas esparcidas sobre la mesa.,
el equilibrio entre la luz y la oscuridad en esta pintura es más que agradable visualmente, sin embargo, significa algo, que es lo que realmente lo pone en nuestro nivel superior. Vermeer utiliza el contraste aquí para contar una historia de vanidad y virtud, placeres mundanos y moralidad divina, por lo que la mujer que sostiene una balanza se sitúa en el número cuatro.,
en su libro, A Study of Vermeer, Edward Snow analiza el simbolismo: «una gran pintura barroca del Juicio Final cuelga visiblemente en la pared posterior de la habitación, situando a la mujer dentro de un marco apocalíptico de referencia y contrapunto a su gesto. La luz que la ilumina irrumpe en la pintura desde arriba, rodeándola de lo que a primera vista puede parecer siniestro, invadiendo sombras Against contra la violenta agitación barroca de la pintura detrás de ella, la mujer afirma una calma tranquila e imperturbable, la quintaesencia de la visión de Vermeer.,»Ahora que es una evaluación equilibrada!
Johannes Vermeer, chica con un sombrero rojo (ca.1665-1667). Imagen: Wikimedia Commons.
3. Girl with a Red Hat (1665-66)
Esta es otra «tronie», como Girl With a Pearl Earring, y una de las obras más pequeñas de Vermeer. Actualmente en la colección de la Galería Nacional de arte, comparte mucho con su primo más famoso, desde la mirada sobre el hombro hasta el disfraz extravagante. ¿Por qué está en la parte superior de nuestra lista, entonces?,
por un lado, todos los detalles, desde ese dramático parche de luz en la cara hasta la forma en que todas las texturas se reproducen entre sí, realmente se unen. Vemos a Vermeer haciendo lo que mejor sabe hacer.,rmeer: las pinturas completas: «para un pintor que sobresalió en la observación de la luz, no había un vehículo más adecuado que un tema como este, con sus comparaciones de piel, seda y perlas, labios húmedos (su color realzado por el sombrero), telas suaves y lisas, todas las superficies brillantes contra los tonos más apagados y la textura más áspera del tapiz, que además de sus colores complementarios proporciona formas simpáticas, como las líneas curvas que descienden desde la cara hasta la mano, el cierre en forma de cortina de la esquina superior izquierda y el borde que enmarca el lado derecho de la imagen., Del mismo modo, los remates de cabeza de León, además de mostrar el talento del artista para describir los efectos de la luz, se colocan con la vista puesta en su efecto sobre la figura, a la que se le da una zona de espacio y una estabilidad que de otra manera no tendría.»
En otras palabras, Girl with a Red Hat te da todo lo que te gusta de Pearl Earring—la sensación de misterio indefinible, las telas magníficamente observadas, la calidad fotográfica aturdida—y luego te da mucho más. Para nuestro dinero, eso lo convierte en uno de los mayores logros de Vermeer.,
Johannes Vermeer, el arte de la pintura (1666). Imagen: Wikimedia Commons.
2. El arte de la pintura (1666)
se llama el arte de la pintura, y es, de hecho, en el pináculo de cualquier lista que celebra el arte de la pintura.
la obra resulta ser una de sus obras más grandes (aproximadamente 40 por 47 pulgadas), pero también es su más ambiciosa intelectualmente: la pintura donde Vermeer despliega completamente la inteligencia detrás de todas sus otras obras., La escena representada es increíblemente meta: una mujer que encarna la musa de la historia, Clio, modelos para un artista en su caballete, que apenas está comenzando a pintarla.,
como argumenta Eric Jan Sluijter, el arte de la pintura de Vermeer está destinado específicamente a mostrar la superioridad de su propio medio sobre otras formas de arte:
«Vermeer parece indicar que las otras artes pictóricas are son inadecuadas en su imitación de la naturaleza—tales productos siempre se verán como una pieza de piedra o arcilla hecha a mano, un pedazo de papel con líneas o un tejido textil—mientras que la pintura puede incluso imitar esas obras de arte, mientras que lo contrario es imposible de lograr., Solo la pintura puede crear la ilusión de un espacio perfectamente convincente lleno de luz, de todos esos diferentes tipos de materiales, sustancias y textiles, y de la figura humana en su forma más bella y transitoria, la de una mujer joven.»
el arte de pintar lo pone todo sobre la mesa. Literalmente hace retroceder el telón en el estudio del artista. Es uno de los mayores equilibrios artísticos de todos los tiempos, coordinando a la perfección un sentido del artificio con un sentido del naturalismo.
Johannes Vermeer, vista de Delft (1660-1661). Imagen: Wikimedia Commons.
1., Vista de Delft (1660-63)
El Arte de la pintura puede ser sobre la supremacía de la pintura, donde todas las partes intrincadas del arte de Vermeer se unen como una alegoría potente. Pero la visión de Delft es donde, en el nivel más elemental, el artista simplemente demuestra esta supremacía, despojando toda esa complejidad hasta sus fundamentos.
la imagen tiene una calidad casi inocente. Se ha hablado mucho del uso innegable del artista de su ayuda óptica favorita, una cámara oscura, para representar con precisión el horizonte de su ciudad natal., Sin embargo, lo más conmovedor de esta visión es su idiosincrasia: el artista parece haber cambiado los edificios muy ligeramente, más notablemente en la sección larga de la puerta de Rotterdam, para hacer que la ciudad se sienta menos apretada, más acogedora.
a nivel puramente pictórico, en una obra conocida por dramas íntimos de luz interior, esta pintura destaca. En En busca del tiempo perdido de Marcel Proust, el narrador describe la pintura como » más sorprendente, más diferente de cualquier otra cosa que sabía.,»El resultado es sin duda el paisaje urbano más memorable del arte europeo y, para nosotros, el mejor de Vermeer.
siga las noticias de artnet en Facebook:
¿quiere mantenerse por delante del mundo del arte? Suscríbase a nuestro boletín para recibir las noticias de última hora, entrevistas reveladoras y tomas críticas incisivas que impulsan la conversación hacia adelante.