Ce mois-ci, la National Gallery of Art de Washington, DC, montera « Vermeer et les maîtres de la peinture de Genre: Inspiration et rivalité. »L’exposition, qui se déroule du 22 octobre au 21 janvier, plonge dans le travail de Vermeer et de ses contemporains de 1650 à 1675, alors qu’ils étaient au sommet de leurs pouvoirs., Il retrace également la longue ombre projetée par le peintre néerlandais, dont la production était célèbre mince—seules 35 œuvres survivantes sont largement attribuées à l « artiste, bien qu » une 36e toile potentielle soit encore entre des mains privées—et dont on sait si peu qu « il est parfois appelé le » Sphinx de Delft. »
bien que Vermeer ait bénéficié d’une trésorerie décente grâce à la vente de son art au cours de sa vie, il a travaillé lentement et la plupart de ses clients étaient de la famille, des amis et d’autres habitants. Après une crise financière en 1672, il a été contraint de vendre aux enchères la plupart de ses biens terrestres pour rembourser des dettes croissantes., Il a été presque oublié par le monde de l’art dans les années qui ont suivi sa mort en 1675. Son œuvre la plus célèbre, Girl With a Pearl Earring, a été vendue aux enchères pour seulement deux Florins en 1881.
Aujourd’hui, bien sûr, Vermeer est la définition même de l’accomplissement du vieux maître. Mais ce qui est son meilleur travail? Nous avons examiné les 10 œuvres les plus populaires et les plus recherchées de l’artiste (que nous avons réduites en fonction de leur classement sur Google Images). Ci—dessous, nous avons offert notre vision subjective de ce qui les rend géniaux-et pourquoi Girl With a Pearl Earring n’est pas, en fait, le meilleur Vermeer de tous les temps.,
Johannes Vermeer, le Dentellier (1669). Image: Wikimedia Commons.
10. La Dentellière (1669-70)
représentant une femme en pleine concentration, penchée sur son artisanat avec des bobines et des épingles à la main, La Dentellière est une bizarrerie dans L’œuvre de Vermeer. C’est sa plus petite œuvre, mesurant un petit neuf par huit pouces, et une seule des deux peintures qu’il ait jamais réalisées sur Panneau de bois (L’autre est Girl with a Red Hat).
Il est, bien sûr, belle., Mais ce qui le place en bas de notre classement, c’est l’éclairage très étrange, inhabituel pour un artiste connu pour la maîtrise de la luminescence.
« n La Lumière Dentellière s’organise de manière contradictoire, tant au niveau de son rendu en peinture que du niveau de perception”, souligne L’historienne de l’art Kathryn A. Tuma dans un essai sur la peinture., « Alors que dans le domaine visuel du quotidien, ce ne serait pas nécessairement un problème car notre vision a peu de mal à accueillir de multiples sources de lumière, dans une image peinte de telles ambiguïtés jouent avec notre capacité à reconnaître une imitation persuasive d’un espace illusionniste. »
Johannes Vermeer, La Procuresse (1656). Image: Wikimedia Commons.
9. The Procuress (1656)
représentant une scène de ce qu’on appelle « l’amour mercenaire”, autrement connu sous le nom de travail du sexe, C’est peut-être la peinture la plus débile de Vermeer., En fait, une scène de sollicitation était tellement en dehors de la norme pour Vermeer que beaucoup doutaient qu’il l’ait réellement peinte, même si les érudits soupçonnent le musicien à l’extrême gauche d’être un possible autoportrait.
Il porte également la signature de Vermeer. Ce qui lui manque, cependant, c’est sa finesse d’Éclairage Caractéristique: trois des quatre personnages sont largement projetés dans une sombre obscurité, tandis que la courtisane est baignée d’une lumière dure et brillante éclairant grossièrement ses joues trop rougies.
certes, on peut affirmer que cet effet d’éclairage inhabituel a un but, tout comme L’historien Edward Snow., En parlant de L’homme à moitié éclairé qui procure la prostituée, Snow écrit dans son livre A Study of Vermeer: « e travaille comme une figure de transition: médiateur entre la figure enveloppée et la femme, reliant les régions des ténèbres et de la lumière, traversant le monde de ses compagnons, son visage encore à moitié ombragé, pour profiter de sa présence lumineuse, non pas un envahisseur mais une barrière protectrice à l’intérêt sombre pour elle.”
Néanmoins, c’est l’un des moins Vermeer-ish des principaux Vermeers là-bas.
Johannes Vermeer, fille avec une boucle D’oreille en perles (env. 1665). Image: Wikimedia Commons.,
8. Fille avec une boucle D’oreille perle (1665)
fille avec une boucle d’oreille perle est L’une des peintures les plus emblématiques de Vermeer—et l’une des peintures les plus célèbres dans le monde entier.
Regardez, il est d’une étonnante peinture. C’est juste pas de Vermeer meilleur, vous savez?
en effet, une partie des charmes de la jeune fille, quand on fait abstraction de toute la légende qui l’entoure, est à quel point elle est mineure et non encombrée par le symbolisme narratif, en résonance avec une esthétique instantanée contemporaine., Alors que tout un roman a été construit autour de la mystérieuse jeune femme en son centre, fille avec une boucle d’oreille de perle faisait partie d’un genre maintenant oublié appelé « tronie”-c’est—à-dire, une image non pas conçue comme un portrait, mais simplement pour illustrer un type de stock.
le look décontracté sur les épaules du modèle qui donne tant de personnalité à l’œuvre est en fait une pose standard utilisée par les peintres néerlandais pour transmettre une profondeur tridimensionnelle. Le chapeau fantaisiste, qui donne un tel sentiment de romance, est un habillage délibéré; la boucle d’oreille en perles est, essentiellement, des bijoux de fantaisie.,
Ce fond noir audacieux, qui sonne bien avec une esthétique de photo de studio d’aujourd’hui, était en fait un trope que Vermeer évitait habituellement. Pourquoi? Parce que Vermeer, obsédé par la lumière, était bien connu pour sculpter des personnages contre des murs blancs, ce qui lui permettait le jeu nuancé des ombres pour lesquelles il est si vénéré. (Selon le conservateur de la National Gallery Arthur K. Wheelock Jr., parmi les plus éminents spécialistes de Vermeer, Girl with a Pearl Earring est l’une des deux seules œuvres que l’artiste a réalisées avec un fond relativement sombre; L’autre est Portrait of a Young Woman, réalisé à peu près à la même époque.,)
Johannes Vermeer, femme en bleu lisant une lettre (1663-1664). Image: Wikimedia Commons.
7. La femme en Bleu Lisant une Lettre (1662-65)
la Femme en Bleu Lisant une Lettre est emballé avec le pathos grâce à son éclairage d’ambiance. Projetée dans une ombre sombre ressemblant à la soie bleue de son pardessus, une femme se tient debout en train de lire une lettre, les lèvres légèrement écartées, comme si elle avait été prise de court par ce qu’elle a lu. Beaucoup croient que la carte accrochée au mur derrière elle suggère un amant lointain pour qui elle pleure (ou pleure)., C’est une façon merveilleusement suggestive d’ouvrir cette image fixe à un récit plus large.
ne manquez pas non plus comment l’éclairage de l’image raconte également une histoire, comme le souligne Wheelock: « la lumière provient de deux sources, créant à la fois des ombres primaires et des ombres secondaires doucement diffusées sur le mur à côté de la chaise derrière la table. Avec les qualités optiques de sa lumière de conscience, Vermeer manip manipule le flux de lumière de manière assez arbitraire pour des raisons de composition. Par exemple, alors que la chaise et la carte projettent des ombres, la femme, qui semble se tenir assez près du mur, ne le fait pas., Vermeer la sépare ainsi du cadre temporel de la pièce et, ce faisant, renforce le sentiment de permanence qui imprègne la scène. »
la force de L’œuvre est sa gravité émotionnelle brute. Mais il manque le symbolisme de bravoure de certains des autres intérieurs de Vermeer, ce qui explique pourquoi il n’est pas plus haut sur notre liste.
Johannes Vermeer, La Petite Rue (env. 1657–1661). Image: Wikimedia Commons.
6., The Little Street (1657-61)
cette représentation des allées et venues dans une ruelle de Delft est résolument prosaïque à première vue, et n’a probablement pas le coup de théâtre humain que la Procuresse ou la femme en bleu lisant une lettre ont à offrir. En fait, son sujet est à peu près aussi peu romantique que vous pouvez l’obtenir: les tâches ménagères.
Il faut regarder de près pour saisir ce qui a longtemps été loué à propos de la peinture: ses détails intensément rendus., En effet, l’intimité nette des détails architecturaux semble si vivement rendue que le débat a fait rage pour savoir si l’allée en question est un lieu réel ou un composite.
dans notre esprit, ce n’est probablement pas un hasard si deux des figures sont parfaitement encadrées par des portes, comme par de véritables cadres, donnant un sentiment d’élévation artistique à ce sujet quotidien., Et comme Anthony Bailey l’a soutenu dans son livre sur Vermeer, l’image des femmes qui font le travail quotidien et routinier d’entretenir leur monde se combine avec le détail architectural pour ajouter un message plus large: « le temps, arrêté pour cet instant et donc dans un sens pour l’éternité, semble être son sujet essentiel. Son usure est visible dans les briques et le mortier, le tissu de fait qui sous-tend carrément notre emprise ténue et temporaire sur l’existence avec ses nombreuses questions sans réponse, telles que » Que faisons-nous ici?, »
pour être juste, cette signification qui prend un peu de temps à saisir, donc cette peinture manque notre top cinq. Ce qui m’amène à Johannes
Johannes Vermeer, La Laitière (ca. 1660). Image: Wikimedia Commons.
5. The Milkmaid (1654-58)
The Milkmaid tombe au milieu de notre classement, ce qui convient car il est souvent considéré comme un tournant entre les styles précoce et mature de Vermeer.,
La scène semble presque photographique, et de nombreux chercheurs supposent que C’est à cette époque que Vermeer a commencé à incorporer la technologie de capture d’image dans sa pratique afin de mieux comprendre les effets de la lumière, comme l’a noté H. Perry Chapman dans son essai « Women in Vermeer’s Home: Mimesis and Ideation.” « La manipulation de la peinture dans La Laitière, en particulier la lumière scintillante sur le pain croustillant, et ses couleurs saturées ont été prises comme preuve de L’étude quasi scientifique de Vermeer de la vision et des effets de la camera obscura », écrit-elle.,
Les effets sont grands: dans une cuisine doucement éclairée, une femme de chambre verse du lait dans une bassine; Le Comptoir est jonché de pain dont les croûtes (ainsi que son front scintillant) sont tendrement soulignées par la lumière du soleil. Vermeer ne s’appuie plus sur un clair-obscur sévère pour créer cette luminescence nuancée. Au lieu de cela, cette orchestration virtuose de la lumière et de la couleur est obtenue grâce à l’utilisation d’alternances de couleurs primaires et de zones d’ombre et de lumière.
Johannes Vermeer, femme tenant un équilibre (env. 1664). Image: Wikimedia Commons.
4., Woman Holding a Balance (1662-65)
créé bien dans la période de maturité de Vermeer, la composition et l’éclairage de ce tableau sont superbement, bien, équilibrés. Une femme vêtue d’une veste bleue avec garniture de fourrure se situe à une table dans un coin de la pièce sombre. Un doux rayon de soleil d’une fenêtre à gauche coupe en diagonale le tableau, soulignant ses mains, qui tiennent une balance en équilibre alors qu’elle pèse ses bijoux éparpillés sur la table.,
l’équilibre entre la lumière et l’obscurité dans cette peinture est plus que visuellement agréable, cependant—il signifie quelque chose, qui est ce qui le met vraiment dans notre niveau supérieur. Vermeer utilise ici le contraste pour raconter une histoire de vanité et de vertu, de plaisirs mondains et de moralité divine, c’est pourquoi la femme tenant un balancier s’arrête au numéro quatre.,
dans son livre, A Study of Vermeer, Edward Snow décompose le symbolisme: « une grande peinture baroque du Jugement dernier est suspendue ostensiblement sur la paroi arrière de la pièce, situant la femme dans un cadre de référence apocalyptique et contrepointant son geste. La lumière qui l’éclaire pénètre dans le tableau d’en haut, l’entourant de ce qui à première vue peut sembler inquiétant, empiètant des ombres Against face à la violente agitation baroque du tableau derrière elle, la femme affirme un calme calme et imperturbable, quintessence de la vision de Vermeer.,” Maintenant, c’est une évaluation équilibrée!
Johannes Vermeer, fille au Chapeau Rouge (env.1665-1667). Image: Wikimedia Commons.
3. Girl with a Red Hat (1665-66)
c’est une autre « tronie”, comme Girl With a Pearl Earring, et L’une des plus petites œuvres de Vermeer pour démarrer. Actuellement dans la collection de la National Gallery of Art, il partage beaucoup avec son cousin plus célèbre, du regard sur l’épaule au costume fantaisiste. Pourquoi est-ce vers le haut de notre liste, alors?,
d’une part, tous les détails—de cette tache de lumière dramatique sur le visage à la façon dont toutes les textures se jouent les unes des autres—se rejoignent vraiment. Nous voyons Vermeer faire ce qu’il fait de mieux.,rmeer: les peintures complètes: « pour un peintre qui excellait dans l’observation de la lumière, il n’y avait guère de véhicule plus approprié qu’un sujet comme celui-ci, avec ses comparaisons de peau, de soie et de perles, de lèvres humides (leur couleur rehaussée par le chapeau), de tissus doux et lisses, de surfaces brillantes contre les tons plus ternes et la texture plus rugueuse de la tapisserie, qui en plus de ses couleurs complémentaires fournit des formes sympathiques telles que les lignes courbes descendant du visage à la main, la fermeture en forme de rideau du coin supérieur gauche, et la bordure encadrant le côté droit de l’image., De même, les fleurons à tête de lion, en plus de montrer le talent de l’artiste pour décrire les effets de la lumière, sont placés avec un œil sur leur effet sur la figure, qui se voit attribuer une zone d’espace et une stabilité qu’elle n’aurait pas autrement. »
en d’autres termes, Girl with a Red Hat vous donne tout ce que vous aimez dans Pearl Earring—le sens du mystère indéfinissable, les tissus admirablement observés, la qualité photographique luxuriante—et vous en donne beaucoup plus. Pour notre argent, cela en fait l’une des plus grandes réalisations de Vermeer.,
Johannes Vermeer, L’Art de la peinture (1666). Image: Wikimedia Commons.
2. L’Art de la peinture (1666)
Il s’appelle L’Art de la peinture, et il est, en effet, au sommet de toute liste célébrant l’art de la peinture.
l’œuvre se trouve être l’une de ses plus grandes œuvres (environ 40 par 47 pouces), mais c’est aussi sa plus ambitieuse intellectuellement—la peinture où Vermeer déploie pleinement l’intelligence derrière toutes ses autres œuvres., La scène représentée est incroyablement méta: une femme incarnant la muse de l’HISTOIRE, Clio, modèles pour un artiste à son chevalet, qui commence tout juste à la peindre.,
comme le soutient Eric Jan Sluijter, L’Art de la peinture de Vermeer vise spécifiquement à montrer la supériorité de son propre médium sur les autres formes d’art:
« Vermeer semble indiquer que les autres arts picturaux are sont inadéquats dans leur imitation de la nature—de tels produits ressembleront toujours à un morceau de pierre ou d’argile, à un morceau de papier avec des lignes ou à un textile tissé—alors que la peinture peut même imiter ces œuvres d’art, tandis que l’inverse est impossible à réaliser., Seule la peinture peut créer l’illusion d’un espace parfaitement convaincant rempli de lumière, de toutes ces différentes sortes de matériaux, de substances et de textiles, et de la figure humaine dans sa forme la plus belle et la plus transitoire, celle d’une jeune femme.”
L’Art de la peinture pose tout sur la table. Il tire littéralement le rideau sur l’atelier de l’artiste. C’est l’un des plus grands équilibres artistiques de tous les temps, coordonnant parfaitement un sens de l’artifice avec un sens du naturalisme.
Johannes Vermeer, Vue de Delft (1660-1661). Image: Wikimedia Commons.
1., Vue de Delft (1660-63)
L’Art de la peinture peut être sur la suprématie de la peinture, où toutes les parties complexes de L’art de Vermeer se réunissent comme une allégorie puissante. Mais View of Delft est l’endroit où, au niveau le plus élémentaire, l’artiste démontre simplement cette suprématie, dépouillant toute cette complexité jusqu’à ses fondamentaux.
L’image a une qualité presque sans guilde. Beaucoup a été fait de l’utilisation indéniable par l’artiste de son aide optique préférée—une camera obscura—pour rendre l’horizon de sa ville natale avec précision., Pourtant, ce qui est le plus poignant dans cette vue, ce sont ses particularités: L’artiste semble avoir légèrement déplacé les bâtiments, notamment dans la longue section de la porte de Rotterdam, pour que la ville se sente moins à l’étroit, plus accueillante.
sur un plan purement pictural, dans une œuvre connue pour des drames intimes de lumière à l’intérieur, ce tableau se démarque. Dans à la recherche du temps perdu de Marcel Proust, Le narrateur décrit le tableau comme « plus frappant, plus différent de tout ce qu’il connaissait., »Le résultat est sans conteste le paysage urbain le plus mémorable de L’art européen et, pour nous, le meilleur de Vermeer.
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