Was ist die größte Vermeer Malerei? Die 10 ikonischsten Werke des niederländischen Meisters, Rangiert

in Diesem Monat, der National Gallery of Art in Washington, DC, Montage „Vermeer and the Masters of Genre Painting: Inspiration and Rivalry. Januar läuft, vertieft sich in die Arbeit von Vermeer und seinen Zeitgenossen von 1650 bis 1675, als sie auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte waren., Es zeichnet auch den langen Schatten nach, den der niederländische Maler geworfen hat, dessen Ausgabe berühmt schlank war—nur 35 überlebende Werke werden dem Künstler weithin zugeschrieben, obwohl eine 36. potenzielle Leinwand noch in privaten Händen ist—und über die so wenig bekannt ist, dass er manchmal als „Sphinx von Delft“ bezeichnet wird.“

Während Vermeer während seines Lebens einen anständigen Cashflow aus dem Verkauf seiner Kunst genoss, arbeitete er langsam und die meisten seiner Gönner waren Familie, Freunde und andere Einheimische. Nach einem Finanzcrash im Jahr 1672 war er gezwungen, die meisten seiner irdischen Besitztümer zu versteigern, um seine Schulden zurückzuzahlen., Er wurde in den Jahren nach seinem Tod 1675 von der Kunstwelt fast vergessen. Sein berühmtestes Werk, Mädchen mit Perlenohrring, wurde 1881 für nur zwei Gulden versteigert.

Vermeer ist heute natürlich die Definition von Old Master Accomplishment. Aber was ist seine beste Arbeit? Wir haben die 10 beliebtesten und meistgesuchten Werke des Künstlers untersucht (die wir basierend auf ihrem Ranking auf Google Images eingegrenzt haben). Unten haben wir unsere subjektive Sichtweise darauf angeboten, was sie großartig macht—und warum Mädchen mit einem Perlenohrring in der Tat nicht das beste Vermeer aller Zeiten sind.,

10. Der Lakemaker (1669-70)

Der Lakemaker (1669-70), der eine Frau in tiefer Konzentration darstellt, die sich mit Spulen und Stiften in der Hand über ihr Handwerk beugt, ist eine Kuriosität in Vermeers Oeuvre. Es ist sein kleinstes Werk mit einer Größe von neun mal acht Zoll und nur eines von zwei Gemälden, die er jemals auf Holztafeln gemacht hat (das andere ist Mädchen mit rotem Hut).

Es ist, natürlich, schön., Aber was es am Ende unseres Rankings steht, ist die sehr seltsame Beleuchtung, ungewöhnlich für einen Künstler, der für die Beherrschung der Lumineszenz bekannt ist.

„n Das Lakemaker-Licht organisiert sich auf widersprüchliche Weise, sowohl auf der Ebene seiner Farbwiedergabe als auch auf der Ebene der Wahrnehmung“, betont die Kunsthistorikerin Kathryn A. Tuma in einem Aufsatz über das Gemälde., „Im visuellen Bereich des Alltags wäre dies zwar nicht unbedingt ein Problem, da unsere Vision wenig Probleme hat, mehrere Lichtquellen aufzunehmen, aber in einem gemalten Bild spielen solche Unklarheiten mit unserer Fähigkeit, eine überzeugende Nachahmung eines illusionistischen Raums zu erkennen.“

9. The Procuress (1656)

Darstellung einer Szene der sogenannten „Söldnerliebe“, auch bekannt als Sexarbeit, dies kann Vermeers düsterstes Gemälde sein., Tatsächlich war eine Szene der Aufforderung für Vermeer so außerhalb der Norm, dass viele bezweifelten, dass er sie tatsächlich malte, obwohl Wissenschaftler vermuten, dass der Musiker ganz links ein mögliches Selbstporträt ist.

Es trägt auch Vermeers Unterschrift. Was ihm jedoch fehlt, ist seine charakteristische Lichtfinesse: Drei der vier Figuren sind größtenteils in eine dunkle Finsternis getaucht, während die Kurtisane in ein raues, helles Licht getaucht ist, das ihre übermäßig rauen Wangen grob beleuchtet.

Zugegeben, man kann den Fall machen, dass dieser uncharakteristische Lichteffekt einen Zweck hat, ebenso wie der Historiker Edward Snow., In Bezug auf den halb beleuchteten Mann, der die Prostituierte beschafft, schreibt Snow in seinem Buch A Study of Vermeer: „e arbeitet als Übergangsfigur: Vermittlung zwischen der verhüllten Figur und der Frau, Überbrückung der Regionen Dunkelheit und Licht, Überquerung aus der Welt seiner Gefährten, sein Gesicht immer noch halb beschattet, um ihre helle Präsenz zu genießen, kein Eindringling, sondern eine schützende Barriere für das dunkle Interesse an ihr.“

Dennoch ist dies einer der am wenigsten Vermeer-ish der großen Vermeers da draußen.

8. Mädchen mit Perlenohrring (1665)

Mädchen mit Perlenohrring ist eines der berühmtesten Gemälde Vermeers—und eines der berühmtesten Gemälde der Welt.

Schau, es ist ein erstaunliches Gemälde. Es ist einfach nicht Vermeers Bestes, weißt du?

Tatsächlich ist ein Teil der Reize des Mädchens, wenn Sie von der ganzen Legende abstrahieren, wie gering und unbelastet es von der narrativen Symbolik ist und mit einer zeitgenössischen Momentaufnahme in Resonanz steht Ästhetik., Während eine ganze Romanze um die mysteriöse junge Frau in ihrer Mitte aufgebaut wurde, war das Mädchen mit einem Perlenohrring Teil eines inzwischen vergessenen Genres namens „Tronie“-das heißt, ein Bild, das nicht als Porträt gedacht war, sondern einfach um einen Lagertyp zu illustrieren.

Der lässige, schulterfreie Look des Modells, der der Arbeit so viel Persönlichkeit verleiht, ist eigentlich eine Standardpose niederländischer Maler, um dreidimensionale Tiefe zu vermitteln. Der phantasievolle Hut, der ein solches Gefühl von Romantik vermittelt, ist absichtliches Anziehen; Der Perlenohrring ist im Wesentlichen Modeschmuck.,

Dieser kühne schwarze Hintergrund, der gut mit einer heutigen Studio-Fotoästhetik übereinstimmt, war eigentlich ein Trope, den Vermeer gewöhnlich vermied. Warum? Denn der lichtbesessene Vermeer war dafür bekannt, Figuren gegen weiße Wände zu heben, was ihm das nuancierte Schattenspiel ermöglichte, für das er so verehrt wird. (Nach National Gallery Kurator Arthur K. Wheelock Jr., unter den führenden Gelehrten von Vermeer, Mädchen mit einem Perlenohrring ist eines von nur zwei Werken der Künstler mit einem vergleichsweise dunklen Hintergrund gemacht; das andere ist Porträt einer jungen Frau, etwa zur gleichen Zeit gemacht.,)

7. Frau in Blau einen Brief lesen (1662-65)

Frau in Blau einen Brief lesen ist mit Pathos dank seiner launischen Beleuchtung verpackt. In einer schattigen Finsternis, die der blauen Seide ihres Mantels ähnelt, steht eine Frau und liest einen Brief, ihre Lippen trennen sich leicht, als wäre sie verblüfft von dem, was sie gelesen hat. Viele glauben, dass die Karte, die an der Wand hinter ihr hängt, einen entfernten Liebhaber vorschlägt, für den sie Pines (oder trauert)., Es ist eine wunderbar suggestive Art, dieses Standbild für eine größere Erzählung zu öffnen.

Verpassen Sie auch nicht, wie die Beleuchtung des Bildes auch eine Geschichte erzählt, wie Wheelock betont: „Licht kommt aus zwei Quellen und erzeugt sowohl primäre als auch sanft diffuse sekundäre Schatten an der Wand neben dem Stuhl hinter dem Tisch. Mit den optischen Eigenschaften seines Bewusstseins manipuliert Vermeer … den Lichtfluss aus kompositorischen Gründen willkürlich. Zum Beispiel, während der Stuhl und die Karte Schatten werfen, tut die Frau, die ganz nah an der Wand zu stehen scheint, nicht., Vermeer trennt sie so vom zeitlichen Rahmen des Raumes und verstärkt dabei das Gefühl der Beständigkeit, das die Szene durchdringt.“

Die Stärke der Arbeit ist ihre rohe emotionale Gravitas. Aber es fehlt die Bravurasymbolik einiger anderer Innenräume von Vermeer, was erklärt, warum es nicht höher auf unserer Liste steht.

6., Die kleine Straße (1657-61)

Diese Darstellung des Geschehens in einer Delft-Gasse ist auf den ersten Blick ausgesprochen prosaisch und hat wahrscheinlich nicht den Kick des menschlichen Dramas, den die Prokuristin oder die Frau in Blau, die einen Brief liest, zu bieten haben. In der Tat ist sein Thema ungefähr so unromantisch, wie Sie bekommen können: Hausarbeit.

Man muss genau hinschauen, um zu begreifen, was lange über das Gemälde gelobt wurde: seine intensiv gerenderten Details., In der Tat fühlt sich die knackige Intimität der architektonischen Details so lebendig an, dass die Debatte darüber tobt, ob die fragliche Gasse ein echter Ort oder ein Verbund ist.

In unserem Kopf ist es wahrscheinlich kein Zufall, dass zwei der Figuren perfekt von Türen eingerahmt sind, wie von tatsächlichen Bilderrahmen, die diesem alltäglichen Gegenstand ein Gefühl künstlerischer Erhebung verleihen., Und wie Anthony Bailey in seinem Buch über Vermeer argumentiert hat, verbindet sich das Bild der Frauen, die die tägliche Routinearbeit zur Erhaltung ihrer Welt leisten, mit dem architektonischen Detail, um eine größere Botschaft zu erhalten: „Die Zeit, die für diesen Moment angehalten wurde und daher in einem Sinn für die Ewigkeit, scheint sein wesentliches Thema zu sein. Seine Abnutzung ist in den Ziegeln und Mörtel sichtbar, das Gewebe der Tatsache, dass unverblümt unsere zähe und vorübergehende Existenz mit seinen vielen unbeantwortbaren Fragen untermauert, wie ‘Was machen wir hier?,'“

Um fair zu sein, diese Bedeutung, die ein wenig Zeit braucht, um sie zu erfassen, so vermisst dieses Gemälde unsere Top Five. Das bringt mich zu …

5. The Milkmaid (1654-58)

The Milkmaid falls smack dab in der Mitte unseres Rankings, was passend ist, weil es oft als Wendepunkt zwischen Vermeers frühen und reifen Stilen angesehen wird.,

Die Szene erscheint fast fotografisch, und viele Gelehrte vermuten, dass Vermeer um diese Zeit damit begann, Bilderfassungstechnologie in seine Praxis zu integrieren, um die Auswirkungen von Licht besser zu verstehen, wie H. Perry Chapman in ihrem Aufsatz „Frauen in Vermeers Haus: Mimesis und Ideation.““Der Umgang mit Farbe im Milchmädchen, insbesondere das glitzernde Licht auf dem knusprigen Brot, und seine gesättigten Farben wurden als Beweis für Vermeers nahezu wissenschaftliche Untersuchung des Sehens und der Auswirkungen der Camera Obscura genommen“, schreibt sie.,

Die Wirkung ist groß: In einer sanft beleuchteten Küche gießt eine Magd Milch in ein Becken; Die Theke ist mit Brot übersät, dessen Krusten (zusammen mit ihrer glitzernden Stirn) vom Sonnenlicht zärtlich hervorgehoben werden. Vermeer verlässt sich nicht mehr auf einen harten Helldunkel, um diese nuancierte Lumineszenz zu erzeugen. Stattdessen wird diese virtuose Orchestrierung von Licht und Farbe durch abwechselnde Primärfarben und Zonen von Licht und Schatten erreicht.

4., Woman Holding a Balance (1662-65)

Die Komposition und Beleuchtung dieses Gemäldes ist hervorragend, gut und ausgewogen. Eine Frau in einer blauen Jacke mit Pelzbesatz steht an einem Tisch in einer Ecke eines dunklen Raumes. Ein weicher Sonnenstrahl aus einem Fenster nach links halbiert das Gemälde diagonal und hebt ihre Hände hervor, die eine Waage im Gleichgewicht halten, während sie ihren auf dem Tisch verstreuten Schmuck wiegt.,

Die Balance zwischen Hell und Dunkel in diesem Gemälde ist jedoch mehr als nur optisch ansprechend—es bedeutet etwas, was es wirklich in unsere oberste Stufe bringt. Vermeer verwendet hier Kontrast, um eine Geschichte von Eitelkeit und Tugend, weltlichen Freuden und göttlicher Moral zu erzählen, weshalb eine Frau, die ein Gleichgewicht hält, auf Platz vier steht.,In seinem Buch A Study of Vermeer bricht Edward Snow die Symbolik auf: „Ein großes Barockgemälde des Jüngsten Gerichts hängt auffällig an der Rückwand des Raumes, versetzt die Frau in einen apokalyptischen Bezugsrahmen und kontrastiert ihre Geste. Das Licht, das sie erleuchtet, bricht von oben in das Gemälde ein und umgibt es mit dem, was auf den ersten Blick bedrohlich erscheinen mag, eindringenden Schatten… Gegen die gewaltsame barocke Erregung des Gemäldes hinter ihr behauptet die Frau eine ruhige, unerschütterliche Ruhe, die Quintessenz von Vermeers Vision.,“Nun, das ist eine ausgewogene Bewertung!

3. Mädchen mit einem roten Hut (1665-66)

Dies ist eine weitere „Tronie“, wie Mädchen mit einem Perlenohrring, und eine von Vermeers kleinsten Werken zu booten. Derzeit in der Sammlung der National Gallery of Art, teilt es viel mit seinem berühmteren Cousin, vom Blick über die Schulter bis zum phantasievollen Kostüm. Warum steht es dann ganz oben auf unserer Liste?,

Zum einen kommen alle Details—von diesem dramatischen Lichtfleck über das Gesicht bis hin zur Art und Weise, wie sich alle Texturen gegenseitig abspielen—wirklich zusammen. Wir sehen, wie Vermeer tut, was er am besten kann.,rmeer: The Complete Paintings: „Bei einem Maler, der sich in der Beobachtung von Licht gab es kaum einen besser geeigneten Fahrzeug über ein Thema wie dieses, mit seiner Vergleiche der Haut, Seide und Perlen, Feuchte Lippen (Ihre Farbe verstärkt durch den Hut), weiche und glatte Stoffe, alle glänzenden Oberflächen vor der dumpfer Töne und rauher textur der Galerie, die neben Ihren sich ergänzenden Farben bietet sympathische gestalten wie die geschwungenen Linien der Abstieg aus dem Gesicht, zu der hand, die vorgehängte Verschluss der oberen linken Ecke, und die Grenze framing der rechten Seite des Bildes., Ebenso werden die Löwenkopf-Finials neben dem Talent des Künstlers, Lichteffekte zu beschreiben, mit Blick auf ihre Wirkung auf die Figur platziert, die eine Raumzone und eine Stabilität erhält, die sie sonst nicht hätten.“

Mit anderen Worten, Girl with a Red Hat gibt dir alles, was du an Pearl Earring liebst—das Gefühl eines undefinierbaren Geheimnisses, die herrlich beobachteten Stoffe, die holzige fotografische Qualität—und gibt dir dann noch viel mehr. Für unser Geld, das macht es zu einer der größten Leistungen Vermeers.,

2. Die Kunst der Malerei (1666)

Es heißt die Kunst der Malerei, und es ist in der Tat auf dem Höhepunkt jeder Liste, die die Kunst der Malerei feiert.

Das Werk ist zufällig eines seiner größeren Werke (ungefähr 40 mal 47 Zoll), aber es ist auch sein intellektuell ehrgeizigstes—das Gemälde, in dem Vermeer die Intelligenz hinter all seinen anderen Werken vollständig entfaltet., Die abgebildete Szene ist unglaublich meta: Eine Frau, die die Muse der Geschichte verkörpert, Clio, Modelle für einen Künstler an seiner Staffelei, der gerade anfängt, sie zu malen.,

Wie Eric Jan Sluijter argumentiert, soll Vermeers Kunst der Malerei speziell die Überlegenheit des eigenen Mediums gegenüber anderen Kunstformen zeigen:

“ Vermeer scheint darauf hinzuweisen, dass die anderen Bildkünste… in ihrer Nachahmung der Natur unzureichend sind—solche Produkte werden immer wie ein Stück Stein oder Ton, ein Stück Papier mit Linien oder ein gewebtes Textil aussehen—während die Malerei diese Kunstwerke sogar imitieren kann, während das Gegenteil unmöglich zu erreichen ist., Nur die Malerei kann die Illusion eines perfekt überzeugenden, lichtdurchfluteten Raums erzeugen, all dieser verschiedenen Materialien, Substanzen und Textilien und der menschlichen Figur in ihrer schönsten und vergänglichsten Form, der einer jungen Frau.“

Die Kunst der Malerei legt alles auf den Tisch. Es zieht buchstäblich den Vorhang im Atelier des Künstlers zurück. Es ist einer der größten künstlerischen Balanceakte aller Zeiten und koordiniert perfekt ein Gefühl der Kunstfertigkeit mit einem Gefühl des Naturalismus.

1., Ansicht von Delft (1660-63)

In der Kunst der Malerei geht es möglicherweise um die Vorherrschaft der Malerei, bei der alle komplizierten Teile von Vermeers Kunst als eine starke Allegorie zusammenkommen. Aber Blick auf Delft ist, wo, auf der elementarsten Ebene, der Künstler zeigt einfach diese Vorherrschaft, Strippen all diese Kompliziertheit bis auf seine Grundlagen.

Das Bild hat eine fast schuldlose Qualität. Es wurde viel über den unbestreitbaren Einsatz seines bevorzugten optischen Hilfsmittels—einer Camera Obscura—durch den Künstler gemacht, um die Skyline seiner Heimatstadt genau zu rendern., Was an dieser Sichtweise jedoch am ergreifendsten ist, sind ihre Eigenheiten: Der Künstler scheint die Gebäude im langen Abschnitt des Rotterdamer Tors so leicht verschoben zu haben, dass sich die Stadt weniger eng und einladender anfühlt.

Rein malerisch sticht dieses Gemälde in einem Oeuvre hervor, das für intime Lichtdramen im Inneren bekannt ist. In Marcel Prousts Auf der Suche nach verlorener Zeit beschreibt der Erzähler das Gemälde als “ auffälliger, anders als alles andere, was er kannte.,“Das Ergebnis ist nicht das denkwürdigste Stadtbild in der europäischen Kunst und für uns das Beste von Vermeer.

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